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Venezia, 16 agosto 2022 – Mosse i primi passi nel mondo dello spettacolo a soli 16 anni, iniziando come ballerina al fianco di Walter Chiari e proseguendo poi come attrice. Lauretta Masiero, talentuosa interprete veneziana, tra le attrici più amate dagli italiani, sul palco sapeva far ridere e divertire, ma sapeva anche come far emozionare, toccando le corde più profonde del cuore di chiunque la ascoltasse.  

I giornali iniziarono a scrivere di lei nei primi anni Cinquanta quando conquistò il pubblico e la critica con lo show televisivo “Attanasio cavallo vanesio”, ma la sua storia nel mondo dello spettacolo iniziò una decina di anni prima, quando lasciò Venezia per inseguire il sogno di diventare interprete e recitare al fianco dei più grandi attori dell’epoca.  

Il sipario sulla sua lunga carriera di attrice si aprì grazie a Wanda Osiris, che la prese con sé nei suoi spettacoli assegnandole il ruolo di ballerina di fila a teatro. Mentre imparava le coreografie, studiava e si esibiva in pubblico, osservava sognante la vita a teatro, il dietro le quinte, il via vai di attori che entravano nei camerini, ripetevano le loro parti allo specchio e poi andavano in scena. Pensava sempre, tra sé e sé, che era quella la vita per cui valeva la pena vivere, e che con un po’ di impegno e costanza, prima o dopo, su quel palco, ci sarebbe salita anche lei, non più come ballerina ma bensì come attrice.  

E quel sogno si avverò, con il debutto proprio nella sua Venezia al Teatro Goldoni nel 1954, grazie al ruolo di Lucietta in “Le baruffe chiozzotte”, una serie storica dedicata al Goldoni in occasione del XIII Festival Internazionale del Teatro della Biennale di Venezia. Una performance di successo, che insieme alla scelta di calcare il palcoscenico con un ruolo così importante le valse l’opportunità di approdare prima sul grande schermo, e poi nelle case degli italiani, conducendo e recitando nei varietà, tra cui Canzonissima nel 1960. Anno d’oro, questo, per la carriera e per la vita privata dell’attrice veneziana che proprio in quell’anno, in una delle tante occasioni mondane tipiche nel mondo dello spettacolo, conobbe Johnny Dorelli, con il quale strinse un legame profondo e da cui nacque poi, sette anni dopo, Gianluca Guidi, suo unico figlio.  

Recitò con i più grandi del cinema italiano tra cui Totò e Ugo Tognazzi, in una carriera costellata di successi e di riconoscimenti. È stata un’attrice unica, Lauretta Masiero, che come ben scrisse Giovanni Testori, «Era capace delle cose più straordinarie, di farti rotolar dal riedere quando tirava fuori la voce dell’americana, o farti piangere quando tirava fuori il sentimento».  

Venezia, 12 agosto 2022 – Le calli e i campielli di Venezia, con i loro scorci inaspettati e gli svolazzanti riflessi sull’acqua dei canali, sono da sempre la romantica cornice di storie d’amore, sia reali che fittizie. Lo sa bene Teresa Sensi, giornalista e scrittrice, punto di riferimento del pubblico femminile tra gli anni ’30 e ’50 per le sue rubriche sul Gazzettino di Venezia, in cui dava consigli di moda, cucina e bon ton, oltre che per i suoi innumerevoli successi editoriali nel campo della letteratura rosa. Tante sono le sfaccettature di questa figura femminile, oggi poco nota, che ha amato intensamente la città lagunare. Una donna con una smisurata passione per le parole e i racconti ma anche dotata di una grande audacia che l’ha portata ad essere la prima iscritta all’Albo dei Giornalisti del Veneto. 

Nata nel 1900 a Perugia, Teresa Sensi si trasferisce giovanissima in quella che poi definirà sempre con orgoglio la “sua” città, Venezia. Scrivere è l’unica attività ad occupare costantemente la sua mente, tanto che già a sedici anni riesce a pubblicare una prima raccolta di novelle, L’ignoto. Con il passare del tempo fa di questo suo interesse un mestiere e dopo aver inviato un racconto alla Gazzetta di Venezia, con il quale riscuote un buon successo, si vede affidare la stesura di articoli e la correzione di bozze per i giornali locali. 

Un importante traguardo giunge, poi, il 7 luglio 1929 quando Teresa diventa la prima donna iscritta all’Albo dei Giornalisti del Veneto. Assunta ufficialmente alla Gazzetta, e unica figura femminile all’interno della redazione, le viene assegnato il compito di redigere la cronaca mondana, le rubriche di cucina e bon ton, oltre alla critica letteraria. Sotto pseudonimo, i suoi articoli compaiono anche sul Gazzettino di Venezia, quotidiano più popolare e diffuso per il quale avrebbe poi scritto fino a pochi giorni prima della sua morte. Il giornalismo di Teresa Sensi conquista in breve tempo il pubblico femminile, tanto che già a trent’anni è una delle firme più conosciute: i suoi consigli in campo culinario e di moda sono legge, mentre i libri che recensisce diventano subito best sellers. Nello stesso periodo, si occupa anche di quelle che oggi si potrebbero definire pubbliche relazioni per la Compagnia Italiana Grandi Alberghi, ritrovandosi a intervistare attori e attrici che arrivano a Venezia per la Mostra del Cinema. 

Con l’uscita della sua seconda raccolta di novelle, La casa di carta, l’editore e amico Angelo Rizzoli le propone una nuova sfida, scrivere un romanzo. Teresa si cimenta con entusiasmo in questa prova, consegnando in poco tempo il manoscritto di L’amore degli altri, primo di una lunga serie di storie d’amore, tutte pubblicate dalla casa editrice Rizzoli, che farà di lei una delle sue autrici di punta. Dividendosi con successo tra giornalismo e letteratura rosa, la Sensi resta sulla cresta dell’onda per tutti gli anni ’40 e ’50. L’uscita di una sua nuova opera costituisce un avvenimento per le sue lettrici, e la critica la osanna per la sua tecnica narrativa, la scelta delle vicende, la scrittura sobria e nitida. 

Venezia e le sue atmosfere suggestive si insinuano spesso nei testi di Teresa, facendo da cornice ai drammi di vita che la romanziera mette in scena. Ma la città lagunare è anche lo sfondo romantico della sua personale storia d’amore con il pittore Carlo Dalla Zorza. Il loro è un legame profondo, nato dalla stima e dall’amicizia, che cresce immensamente nel tempo e li porta a migliorarsi come artisti. Purtroppo, però, nel gennaio del 1977 il marito è stroncato da un male inaspettato e repentino e da questo momento in poi la vita della scrittrice viene dedicata al ricordo dell’amato. 

Alla sua morte, avvenuta nel 1993, Teresa Sensi lascia in eredità all’Università Ca’ Foscari la sua bella dimora con giardino su Rio Novo, nel sestiere di Dorsoduro, affinché ne venga fatta una sede per gli studenti.

Venezia, 9 agosto 2022 – Il suo è un mondo fatto di preziosi velluti blu scuro, rosso cupo e verde bottiglia, ispirati ai più celebri dipinti di Tiziano, Tintoretto, Giorgione e Tiepolo, rigorosamente realizzati con antichi telai veneziani e su cui vengono disegnati motivi trompe l'œil. All’anagrafe è nota come Giuliana Coen Camerino, ma per il mondo della moda è la leggendaria Roberta di Camerino, stilista, imprenditrice e prima donna italiana ad essere stata premiata con l’Oscar della Moda, il Neiman Marcus Award. Vulcano di energia creativa e instancabile lavoratrice, la signora della moda nel corso degli anni ha saputo conquistarsi gli affetti di numerose celebrità internazionali, tra cui la principessa di Monaco Grace Kelly, l’artista spagnolo Salvador Dalì e l’attrice di Hollywood Joan Crawford.

Giuliana Coen Camerino nasce a Venezia nel 1920 da un’agiata famiglia ebrea; tuttavia, con l’avvento delle leggi fasciste e della Seconda Guerra Mondiale, viene costretta ad una fuga rocambolesca in Svizzera, trovando rifugio a Lugano. È proprio qui che si accende l’incredibile talento: dopo aver venduto la sua borsa a secchiello ad una signora che l’aveva fermata per la strada, desiderosa di acquistarla, Giuliana si fa mostrare da un calzolaio come cucire la pelle, in modo da potersi rifare da sola la borsa.

Una volta tornata a Venezia con la fine della guerra, avvia una sua produzione e inaugura il marchio “Roberta di Camerino”, riprendendo il titolo dell’amato film di W. A. Seiter, Roberta, che le ricorda momenti di pura spensieratezza. La prima sede dell’azienda è a Palazzo Loredan Grifalconi, un edificio gotico quattrocentesco che ai tempi della Serenissima ospitava il Fondaco dei Curami, dove già si lavorava la pelle; gli ambienti della casa di moda sono oggi spazio espositivo.

Bagonghi, Minniver, Oklahoma, Bajadera, Napoleone: ogni modello di Giuliana Camerino nasce con un suo nome e con l’esigenza di essere un accessorio colorato che ravviva la toilette di una donna. Per dare luce e ricchezza, la stilista decide di servirsi dei velluti in soprarizzo realizzati dagli antichi telai veneziani, su cui disegna il logo del marchio, la famosa R incorniciata in un prezioso stemma, e motivi trompe l’œil che imitano cinghie e tasche. È una vera e propria rivoluzione nel campo della moda, perché per la prima volta la borsa si sgancia dall'idea di dover essere abbinata alle scarpe. Inoltre, la realizzazione di questi prodotti viene inizialmente eseguita in un piccolo laboratorio nell’Istituto di Rieducazione alle Zitelle, sull’isola della Giudecca, come attività per il reinserimento delle donne detenute nel mondo del lavoro.

In seguito, la stilista veneziana amplia la sua produzione realizzando ombrelli, foulard, vestiti e tailleur, tutti coloratissimi e con l’immancabile trompe l’œil. Il suo è uno stile che sa distinguersi ed è sempre più amato: non a caso, nel 1956 l’imprenditrice vince quello che viene considerato l’Oscar della Moda, il Neiman Marcus Award. È la prima donna italiana a ricevere questo ambitissimo premio. È del 1963, invece, la sua prima sfilata nella Sala Bianca di Palazzo Pitti a Firenze, e da qui in poi la sua carriera è costellata di numerosi successi, tra cui l’accordo commerciale con il colosso Mitsubishi per l'esclusiva in Giappone.

Ma Giuliana Camerino ha saputo essere innovativa anche nella presentazione delle sue creazioni: a lei si deve infatti l’invenzione delle sfilate-spettacolo, dei veri e propri eventi mondani che hanno visto la partecipazione del corpo di ballo della Fenice, del teatro delle marionette, degli sbandieratori di Asti, o perfino dell'intero circo Orfei, oltre che di un pubblico sempre più internazionale. Luogo prediletto di queste rappresentazioni è l’antica Polveriera delle Vignole, sull’omonima isoletta della laguna veneziana, da lei acquistata e restaurata con amore.

Venezia, 2 agosto, 2022 – Della carta, dell’inchiostro e un tavolo su cui poter scrivere un nuovo capitolo della storia del mondo femminile. Aloisa Pisana “Luisa” Bergalli, è stata la prima donna a condurre studi di genere, anticipando i famosi Women’s Studies grazie alla preziosa eredità delle veneziane che vissero prima di lei.  

“Componimenti poetici delle più illustri rimatrici d’ogni secolo” è stata la sua opera maestra, la prima antologia di poesie scritte da 250 poetesse mai realizzata prima da una donna, con un archivio di opere che andava dal 1290 all’età contemporanea, seguita poi da “Avventure del poeta”, considerato il miglior tributo mai offerto da Luisa al teatro contemporaneo. Traduzioni, poesie, e sonetti completavano la sua vita di intellettuale, studiosa fin dall’infanzia, ragazzina laboriosa, preparata, che odiava improvvisare e che voleva costruire a tutti i costi una sua eredità letteraria, solida e inattaccabile. 

Una costruzione che richiese tempo e fatica, ma che non le impedì mai di scoprire anche i segreti della città e delle persone che la popolavano, imparando a conoscere le intellettuali che discutevano nei caffè e nei campielli, ascoltandone i pensieri, le visioni e le idee. E fu proprio qui che conobbe la famosa Rosalba Carriera, le sue sorelle - anche loro artiste - e poi ancora Luigi Querini e Caterino Zeno, gli amici di una vita.  

Tra i pomeriggi di studio e le discussioni nei caffè, Luisa incontrò anche Gasparo Gozzi, futuro marito e padre dei suoi cinque figli, con il quale condivise un matrimonio ma soprattutto il lavoro, da sempre al centro della sua vita. Un’attività sfortunata e fallimentare però quella di Gasparo e del suo Teatro Sant’Angelo, che tentò di risollevare anche grazie all’aiuto di Luisa, mettendone a repentaglio l’intera carriera.  

Letterata, madre di cinque figli e moglie, con una carriera in costante ascesa, figlia di una formazione culturale approfondita, tipica degli eredi della borghesia veneziana, la stessa a cui lei è sempre stata legata fin da bambina per via di Luigi Mocenigo e Pisana Comaro, padrino e madrina di battesimo, nonostante fosse figlia di un umile commerciante piemontese. Un padre impegnato, il suo, che con sacrificio e duro lavoro riuscì a portare avanti la famiglia e a dare alla figlia qualche consiglio e qualche lezione di francese, garantendole un’opportunità unica, quella di diventare traduttrice letteraria.  

Una lunga carriera intervallata dalla stesura di commedie, dalla scrittura di poesie, di opere letterarie, di sonetti e di traduzioni quella di Luisa, femminista veneziana che raccolse il testimone passatole dalle veneziane che prima di lei scrissero di donne, di letteratura e di poesia, facendo di queste opere il motore della loro vita.  

Venezia, 29 luglio 2022 - Fu la più dotata allieva di Vivaldi e la più celebre fra le figlie della Pietà. Anna Maria, conosciuta anche come Anna Maria del Violin, rimase per tutta la sua esistenza all’interno dell’Ospedale della Pietà, il convento, orfanotrofio e conservatorio di Venezia, percorrendo i vari livelli di gerarchia: da figlia di Choro a figlia privilegiata, per passare poi a maestra di strumento fino a diventare Maestra di coro, il ruolo in assoluto più elevato.  

Un talento, quello per la musica, celato dietro le grate del coro della Pietà, attraverso cui incantava tutti coloro che passavano dall’Ospedale e che la definirono entusiasticamente come “il primo violino d’Italia”.  

Nata fra il 1695 e il 1696, Anna Maria era l’allieva privilegiata dal Prete Rosso, solo per lei, infatti, vennero composti venticinque concerti, con un cimento tecnico molto elevato. Una polistrumentista esperta, un’orchestrale particolarmente versatile in grado di esibirsi con altri strumenti oltre al violino, che era la specialità. Anna Maria aveva raggiunto un livello di maturità e di virtuosismo degno di una professionista quando, all’età di venticinque anni, venne acquistato per lei un violino del celebre Matteo Sellas, un celebre liutaio, il cui prezzo dello strumento lascia intuire la bravura della ragazza. 

Le figlie della Pietà erano delle giovani donne orfane che venivano accolte in età infantile, senza cognome e senza futuro. Questa Istituzione dava loro una possibilità di riscatto: qui potevano imparare un mestiere e trovare un marito. Fra queste, una piccola élite selezionata entrava a far parte del coro, le Figlie di Choro, di cui faceva parte Anna Maria.   

Il suo talento era talmente evidente che venne soprannominata “Del Violin”, una sorta di cognome con cui veniva riconosciuta la sua grande abilità e passione per la musica, ma anche la sua origine illegittima, un marchio a fuoco indelebile che porterà fisicamente sulla sua pelle.  

Diventare “figlie di coro” costituiva un privilegio: a differenza delle “figlie di commun”, quelle di coro avevano diritto a un vitto migliore, potevano ricevere gratificazioni in danaro e, se chieste in sposa a qualcuno, venivano proviste dall’Ospedale di una piccola dote. 

Un numero ristretto di quattordici fanciulle, scelte ogni tre anni fra le figlie di coro più meritevoli e due maestre, costituiva il gruppo delle “figlie privilegiate”. A loro era concesso di prendere sotto la propria tutela una “figlia di educazione”, ossia fanciulle dell’aristocrazia o della borghesia mercantile che pagavano una retta per ricevere una solida educazione musicale.  

Anna Maria passò tutte queste fasi di formazione e raggiunse addirittura il livello di Maestra di coro, doveva dirigere il coro, vigilare sulla disciplina, replicare gli insegnamenti dei maestri e farne le veci quando erano assenti.  Una vita interamente trascorsa presso l’Istituto della Pietà, dove morì all’età di novantasei anni dopo una lunga febbre e un talento riconosciuto da Antonio Vivaldi, che la omaggiava evidenziando in lettere maiuscole “AMore” nei concerti di viola d’amore per lei scritti.  

Venezia, 26 luglio 2022 - Una dama dai capelli rossi e una leggenda ambientata fra le mura della meravigliosa Villa Foscari: ecco la storia di Elisabetta Dolfin, il fantasma della Malcontenta che si aggirerebbe ancora nell’antica dimora signorile in prossimità di Mira, lungo la Riviera del Brenta. 

Il fantasma avrebbe sembianze bellissime, proprio come quelle Elisabetta in vita e farebbe le sue apparizioni nella stanza di Armida e nel giardino posteriore, alle prime luci dell’alba. Indossa un abito lungo nero e scollato sulla schiena, con un viso bianco candido incorniciato dai capelli rossi, e due occhi grandi nei quali si scorge il riflesso del desiderio inappagato di libertà.  

La leggenda ebbe origine verso la seconda metà del Cinquecento, quando Nicolò Foscari sposò Elisabetta, vedova del primo marito appartenente alla famiglia Pisani.  All’epoca giravano numerose voci sull’infedeltà della donna, al punto da essere esiliata dal marito in una condizione di clausura, all’interno della villa affacciata sul Brenta. Venne rinchiusa per gli ultimi 30 anni della sua vita, tanto che non fu mai vista uscire o affacciarsi dalle finestre. In questi trent’anni la villa si riempì di sterpaglie e resta un mistero come la bella dama riuscì a sopravvivere, dal momento che nessuno le portò mai degli alimenti o visse insieme a lei nella villa.  

Una figura decantata anche da Antonio Foscari in una architettura di Palladio con “nobile figura femminile nella quale veniva riconosciuta la dama malcontenta che qui sarebbe stata reclusa per espiare le sue avventure d’amore”. Il nome Malcontenta è legato all’idrografia del luogo. Il canale scavato per portare le acque del Brenta dalla vicina Oriago alle valli di Sant’Ilario era chiamato proprio “fossa dei malcontenti” così come il nome del fiume, anticamente declinato al femminile: la Brenta “mala contempta”. 

Venezia, 19 luglio 2022 - Franca Trentin è stata un’insegnante ma anche una rivoluzionaria, un’intellettuale e un’attivista che ha preso parte alla Resistenza francese e il cui impegno è stato premiato con la Croix de la Résistence che le venne conferita direttamente da Charles De Gaulle. Orgoglio, sacrificio, dedizione e responsabilità sono stati i cardini su cui Franca, nata a Venezia più di cento anni fa, ha costruito la sua vita di donna libera.  

Non ci si doveva far ingannare dagli occhi chiari e dal viso gentile, dietro ai quali si celava un carattere forte e tenace. Era rigorosa e severa come la madre quando doveva preparare anche il più piccolo dei tanti interventi accademici che teneva come insegnante, e coraggiosa come il padre quando lottava per la sua indipendenza e per l’emancipazione di tutte le donne.  

Aveva solo sei anni Franca quando fu costretta a cambiare vita, a lasciare la sua Venezia e le comodità di cui poteva godere al tempo una famiglia benestante per scappare a Pavie, a causa delle rigide leggi del regime fascista che obbligarono il padre Silvio, professore universitario, volontario nella Prima guerra mondiale e deputato, ad esiliare in Francia e a reinventarsi partendo dall’agricoltura.  

La tenacia, la dedizione, il lavoro e poi lo studio, erano i valori che Franca aveva imparato guardando il padre affrontare la vita, e ha inizio proprio tra i banchi di scuola francesi la consapevolezza di Franca per l’importanza di questi valori, che diventeranno in seguito i cardini su cui baserà la sua vita accademica e privata. «Sono una donna che lavora, felice» dirà infatti di sé stessa qualche anno dopo, cosciente che l’unica via per l’emancipazione femminile passava per il lavoro e l’impegno.  

La vita in Francia è stata per lei difficile, a tratti crudele. Dai continui cambiamenti di città, a cui una bambina faticava ad abituarsi alle umiliazioni subite per essere italiana, cittadina di un paese in cui regnava il fascismo. Franca subì scherni quasi quotidianamente, tra i banchi di scuola e per le vie della città, ma il padre Silvio, colto, forte e protettivo, fu il suo filtro per capire il mondo e per allontanare da sé insulti e prese in giro.  

Nel frattempo, a Tolosa, Franca cresceva attorniata dalla sua famiglia e dagli amici del padre, scrittori, filosofi, e pensatori in fuga dalla madre patria e che trovavano rifugio nella sua casa, e nella libreria di Silvio. Tra un esame e l’altro Franca iniziò a lavorare accettando diverse supplenze di insegnamento, piccoli impieghi come segretaria del Rettore della Facoltà, incarichi come sorvegliante nelle colonie estive, interprete e traduttrice. Come il padre prima di lei, non rinunciò alla sua indipendenza e alla sua libertà, adattandosi a tutto pur di preservare entrambe.  

A poco più di trent’anni, due lauree, un figlio e un matrimonio, Franca iniziò ad insegnare, riversando in questa professione tutto il suo vissuto e i suoi valori. Insegnò a Digione, alla Sorbona e al Ministero degli Affari esteri francese prima di approdare all’Università Ca’ Foscari, la stessa in cui aveva insegnato suo padre qualche decennio prima. Nei suoi vent’anni di insegnamento qui, nella sua città, Franca portò un vento di entusiasmo, di apertura al mondo e un’idea nuova e forte della libertà femminile, figlia del lavoro, della conoscenza e del sacrificio.  

Coraggio, resistenza e dedizione hanno contraddistinto la storia di una docente rivoluzionaria e intellettuale progressista che ha vissuto tra la Francia e l’Italia, diventando una delle più grandi protagoniste della storia di Venezia e dell’Italia intera.  

Venezia, 14 luglio 2022 – Da 445 anni a questa parte, il terzo sabato di luglio una tradizione tutta veneziana anima il Canale della Giudecca: l’allestimento di un percorso galleggiante temporaneo che, con i suoi 334 metri di lunghezza, lega saldamente Fondamenta delle Zattere e la basilica del Cristo Redentore sull’isola della Giudecca, due estremità della città di Venezia solitamente divise dall’acqua della laguna. Iconico e immancabile simbolo della Festa del Redentore, la via sull’acqua creata dal ponte votivo ha da sempre accompagnato i festeggiamenti, sebbene sotto diverse spoglie, arrivando ad assumere in tempi più recenti le sembianze della struttura modulare in legno e acciaio che da 20 anni i veneziani sono abituati ad attraversare a ricordo perenne di un voto per la liberazione dalla peste. Quest’anno l’attraversamento pedonale verrà aperto al pubblico domani, venerdì 15 luglio, alle ore 20, alla presenza del sindaco Luigi Brugnaro, del patriarca Francesco Moraglia e delle autorità civili e religiose.

Affettuosamente chiamato anche “Notte Famosissima”, il Redentore è una delle ricorrenze più sentite dai veneziani e, grazie alla sua spettacolarità, col tempo è diventato noto in tutto il mondo. La celebrazione cade ogni sabato precedente alla terza domenica del mese di luglio e ricorda la fine dell’epidemia di peste che devastò la città negli anni 1575-1577, portando alla morte oltre un terzo della popolazione di Venezia. Fu per questo motivo che il 4 settembre del 1576 il Senato della Serenissima scelse quindi di erigere una chiesa a nome del Cristo Redentore, come ex voto per cercare di allontanare la malattia dalla laguna. Nel giorno del primo Redentore, nel 1577, fu allestito un ponte di galere per raggiungere l’isola della Giudecca e la nuova basilica. Sempre qui ebbe luogo la prima processione di fedeli, ancora oggi parte fondamentale delle celebrazioni.

Attraverso i secoli, il ponte votivo cambia il suo aspetto ma non la sua funzione: l’appoggio delle galere ben presto viene sostituito dalle più pratiche zattere, per passare poi, tra fine Ottocento ed inizio Novecento, alle peàte, le grandi barche dal fondo piatto utilizzate per il trasporto di materiali pesanti come carbone e legname. Dopo la Seconda Guerra Mondiale, invece, assume il volto “militare” dell’inglese ponte Bailey, composto da diversi moduli in acciaio e legno che permettono un veloce montaggio e smontaggio. Per ben cinquant’anni il secondo reggimento Genio pontieri, entrato in possesso della struttura, a ogni Festa del Redentore lo ha assemblato sul Canale della Giudecca come esercitazione militare.

Dichiarato “residuato bellico” nel 2002, il ponte Bailey è sostituito dall’odierno percorso galleggiante, che quest’anno festeggia vent’anni di utilizzo. A seguire attentamente i lavori, ancora oggi come la prima volta, il geometra Matteo Vianello, collaboratore del Responsabile Unico del Procedimento.

“È un ponte costituito da moduli galleggianti, per una lunghezza di circa 334 metri lineari, mentre il camminamento è largo 4 metri circa - spiega Vianello - L’inizio dell’assemblamento è avvenuto martedì 5 luglio, ed è un procedimento che viene realizzato in fasi, chiudendo progressivamente il Canale della Giudecca. Venerdì 15 ci sarà la fase finale, che inizierà alle 7 della mattina, poi si procederà a chiudere completamente il ponte alle 16:15 con il passaggio dell’ultimo Ferry. Sarà aperto al pubblico dalle ore 20 di venerdì e resterà fino alla mezzanotte di domenica, quando inizierà la fase di disallestimento”.

L’attraversamento pedonale oggi in uso è il frutto di un’attenta mediazione tra moderno e tradizione, nel rispetto dell’ambiente che lo circonda e dei 445 anni di storia della Festa del Redentore: le antiche barche sono state sostituite da unità galleggianti in polietilene, ma il piano di calpestio e il corrimano continuano ad essere in legno.

“Il ponte viene ancorato su dei pali in acciaio vibroinfissi sul fondo del Canale”, aggiunge il geometra, “e su tutto il parapetto c’è un impianto di illuminazione che rischiara il camminamento. Alcuni moduli hanno dei tralicci che servono per fare un sopralzo per consentire ai mezzi pubblici di transitare sotto il varco centrale, che ha un’altezza di 3,50 metri e una larghezza di 10 metri”.

Quella del ponte di barche è una tradizione tutta veneziana, e non è affatto raro che questa via sull’acqua venga montata anche in occasione di altre celebrazioni. “La struttura viene usata, oltre che per la Festa del Redentore, anche per la Madonna della Salute e per la manifestazione sportiva della Venicemarathon”, precisa Vianello, ricordando anche come nel novembre 2019 sia stato impiegato in occasione della Festa di Ognissanti e della Commemorazione dei Defunti, quando ha collegato Fondamente Nove con il cimitero di San Michele.

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Venezia, 10 luglio 2022 - È in quello che viene definito “il triangolo del divertimento” che nasce la magia dello spettacolo del Redentore. Il sibilo, il botto, il fuoco che si apre a sfera, a fiore, a fontana pennellando il cielo di Venezia e incollando lo sguardo all’insù per 40 minuti ad ammirare lo skyline di barche, di acqua, di colori che si fonde nel tutt’uno di ciò che è e rappresenta ancora la Serenissima. A Melara di Rovigo la cinquantina di dipendenti dell’azienda Parente Fireworks è alle prese con la preparazione degli oltre 6 mila fuochi d’artificio che verranno sparati in aria durante la notte “famosissima”, sabato 16 luglio, la più sentita manifestazione cittadina promossa dal Comune di Venezia con il coordinamento operativo di Vela spa. 

Un luogo dove ogni singola lavorazione è separata dall’altra per questioni di sicurezza e dove tutto è fatto a mano, interamente a mano dagli “alchimisti” dell’arte pirotecnica. Un lavoro artigianale che porta in alto la bandiera del Made in Italy e che evoca cura, attenzione, qualità e rispetto delle norme di sicurezza perché qui si maneggia in sostanza la polvere da sparo.

“Da veneti, la festa del Redentore per noi è la più importante e ogni anno ci teniamo a partecipare alla gara d’appalto pubblica – spiega Antonio Parente, che porta avanti l’azienda insieme ai fratelli Davide e Claudio – non possiamo dare anticipazioni sullo spettacolo, ma possiamo dire che ci saranno dei momenti legati alla realtà e che ovviamente non potranno mancare i colori che più di tutti rappresentano Venezia e che sono il rosso e l’oro, per finire con l’argento brillante”.

Lo spettacolo pirotecnico è il momento clou del Redentore, una delle feste più amate dai veneziani che da centinaia di anni mescola il sacro al popolare senza perdere la sua identità. La sua particolarità è proprio la lunghezza dello spettacolo, che inizia alle 23.30 e per tradizione deve andare oltre la mezzanotte, portando quindi a 40 minuti i botti in Bacino San Marco che si riflettono nelle acque della laguna.

“Uno spettacolo di soli fuochi d’artificio così lungo è difficile trovarlo da altre parti e quindi la difficoltà è anche quella di cercare di non annoiare lo spettatore – continua Parente – per questo ogni anno cerchiamo di migliorare qualcosa, di modificare qualcosa, di trovare un effetto nuovo”. 

Fino alla metà del Novecento, i “foghi” si svolgevano con il fronte rivolto verso il Canale della Giudecca, mentre tra gli anni ’50 e ’60 la postazione degli artificieri fu sdoppiata e da due diverse zattere due ditte si sfidavano sparando alternativamente i fuochi. Gli artifici venivano quindi lanciati sia dal Bacino che dall’area compresa tra il Molino Stucky e Sacca Fisola. È solo alla fine degli anni ’70 che i fuochi sono tornati in Bacino e dal 2008 il fronte è stato ampliato fino a raggiungere i 400 metri, aumentando così il fascino dello spettacolo.  

“Dal 1988 abbiamo partecipato a tantissime edizioni del Redentore e lo facciamo per il legame che abbiamo con la città, perché la festa del Redentore è una delle tradizioni italiane più belle – spiega Parente - all’estero facciamo eventi di gran lunga più grandi rispetto a questo, ma il fascino di questa città non ce l’ha nessun’altra”.

Le origini della “Parente Fireworks” risalgono alla fine del diciannovesimo secolo quando il fondatore della famiglia di pirotecnici Romualdo Parente, originario della provincia di Foggia, decise di intraprendere questa attività allestendo spettacoli per eventi religiosi. La prima vera fabbrica fu costruita all’inizio del 1900 e dopo una breve pausa durante la Prima Guerra Mondiale Romualdo ricominciò l’attività insieme ai sette fratelli, creando una delle più grandi fabbriche pirotecniche del Sud Italia. Nel 1951 il figlio Antonio lasciò il Sud per trasferirsi a Melara e nel 1956, con l’aiuto dei suoi due figli Augusto e Romualdo, costruì quella che è l’attuale fabbrica.

“L’artificio cilindrico è tipico della scuola italiana, mentre quello sferico nasce dalla scuola cino-giapponese asiatica ed è quello più usato – spiega – il maggior fabbricante di artifici oggi è la Cina, poi ci sono Italia e Spagna che realizzano artifici di pregio, un po’ più di elite diciamo, che hanno anche un costo diverso perché la loro qualità è diversa e lo si vede nei colori, nella luminosità e nelle tonalità”. Le lavorazioni sono tutte manuali, tutto viene pesato al grammo seguendo in parte i ricettari tramandati dal bisnonno e in parte seguendo le evoluzioni dei prodotti. Ogni colore, poi, è frutto di formule diverse e di componenti che vengono mescolati dai fuochisti, che con pazienza e attenzione danno vita e forma a sfere e cilindri che si trasformeranno in luce, rumore, fumo e piccoli coriandoli di carta in caduta.

A Melara tutto è organizzato secondo un ordine preciso: da una parte ci sono i laboratori dove viene prodotta la polvere nera che viene utilizzata come base per la carica di lancio e per la salita dell’artificio, che l’azienda commercializza anche nel resto del mondo perché è l’unica in Europa a realizzarla in loco.  

La polvere nera si compone di tre elementi: carbone, nitrato di potassio e zolfo. Il carbone scelto è quello in tralci di vite, che è un po’ più leggero, che viene macinato in botti tritatorie e polverizzato per un numero preciso di minuti. A questo viene aggiunto poi il nitrato di potassio e, successivamente, lo zolfo, oltre ad un collante. Questo processo termina poi con l’essicazione controllata all’interno di un altro laboratorio che ha una sorta di condizionatore in grado di far perdere, dopo 24 ore, tutta l’umidità al prodotto. 

“Non lo mettiamo al sole, sarebbe un risparmio di tempo perché basterebbero poche ore, ma con certe temperature estive è molto pericoloso – spiega – così è tutto sicuro ed è una scelta vincente”. 

Poi ci sono le altre fasi delicate, ci sono le composizioni, le mescolature, le pressature, c’è la realizzazione dell’involucro esterno, il suo riempimento con le palline di polvere nera e la sua chiusura. Gesti che si ripetono da centinaia di anni e che sono sempre gli stessi. 

“Rispetto a come faceva i fuochi d’artificio il bisnonno alcune cose tecniche sono le stesse di cento anni fa, ma negli ultimi 50 anni sono cambiati i componenti - racconta – i prodotti sono più raffinati e puliti, creano meno fumo, è stata anche perfezionata la tecnica del lancio, che una volta era manuale mentre adesso viene fatta con sistemi di gestione radiocomandati elettronici”.

Ogni sera, al calar del sole, tutti i lotti di prodotti vengono testati per garantire gli standard di qualità in un’area dell’azienda e per qualche minuto il cielo di Melara si colora con una sequenza di botti.

“Quello di Venezia è un evento complicato – conclude Parente - c’è la preparazione del progetto artistico, per la quale servono circa due settimane perché in questo lavoro non esiste il copia-incolla; poi c’è la difficoltà di una città delicata e del trasporto dei materiali, che viene fatto in più fasi. A Venezia tra l’altro bisogna stare al di sotto di un certo numero di decibel di suono. Poi c’è la questione della distanza di sicurezza dalle barche, perché con il rischio che qualche barca invada l’area di spettacolo abbiamo cercato di dotarci delle tecnologie che ci aiutano a bloccare il lancio nel caso ci siano condizioni limitate di sicurezza. Sono cose che si imparano con gli anni e rispettando la città”.

E in attesa che i “foghi” siano pronti per essere sparati, a Venezia si preparano le luminarie, si cucinano i piatti della tradizione, si addobbano le barche perché, si sa, il Redentore tra canti e balli rappresenta la rinascita di un nuovo giorno, di una vita senza la peste, di cui oggi come 500 anni fa si sente ancora l’esigenza.